El Arte Manierista o Manierismo es un estilo artístico que surge a finales del Renacimiento, durante la etapa del Cinquecento. En el arte Italiano se considera que el inicio del Manierismo nace a raíz de «el saqueo de Roma» en 1527.
La belleza tal como era entendida en el período clásico del Renacimiento fue puesta en entredicho y el arte se convirtió en unn espacio de experimentación. Los artistas manieristas no tomarán la naturaleza como referente y fuente de inspiración.
La época en que se desarrolló este arte se caracteriza esencialmente por la crisis religiosa de valores que desembocó en la Contrarreforma y manifiesta el malestar de una época convulsa.
Tabla de Contenidos
¿Qué es el Arte Manierista?
El Arte Manierista es el estilo artístico que se desarrolló en Europa entre los años 1520 y 1600, aproximadamente. Su nombre deriva de la palabra “maniera”, que en el italiano del siglo XVI significaba “estilo”. El término fue usado de forma peyorativa por los críticos del siglo XVII, que lo consideraban una imitación imperfecta del arte renacentista. El Arte Manierista surgió en Italia y desde allí se difundió hacia casi toda Europa, a través del trabajo de los artistas italianos en las distintas cortes reales.
Origen del Manierismo
El Arte Manierista surge en Italia en 1527 y posteriormente se fue extendiendo por el resto de Europa, siempre a partir de los estándares artísticos Italianos.
El arte manierista destaca por romper con el ideal de belleza clasicista típica del Renacimiento, los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción.
Cuando los elementos del Renacimiento empezaban a entrar en crisis, surgió el Manierismo y supuso el abandono progresivo de la proporcionalidad en las figuras, la perspectiva espacial, el uso de líneas claras, definidas y de las dulces expresiones de las obras renacentistas, dando lugar a un arte inestable y subjetivo.
El Manierismo fue generalmente infravalorado por la crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una «afectación artificiosa». Se identifica con un arte Intelectualizado y Elitista.
Características del Manierismo
Algunas de las características principales del Manierismo son:
- Virtuosismo: Los artistas manieristas reclamaban la superioridad artística unos sobre otros. Para ellos crear obras difíciles y complejas era sinónimo de virtuosidad.
- Figuras Exageradas: Los artistas rechazaron las proporciones realistas y empezaron a crear figuras con posiciones extrañas, estiradas y retorcidas, sugiriendo movimientos dentro de las obras y aumentando el drama.
- Color artificial: Abandonaron los colores naturalistas, recurriendo a tonos más artificiales y llamativos.
- Uso de la Luz Expresiva frente a la Representativa
- Tensión y Dramatismo: Se crean obras confusas, descentradas, huyendo de la simetría, el equilibrio
- Separación de forma y significado:
- Forma serpentina: Es una forma típica del arte manierista, que evoluciona a partir del contrapposto clásico. Las figuras con estilo «serpentino» recuerdan a la letra «S» o a una serpiente en movimiento, dando lugar a obras asimétricas.
- Decoración rebuscada: Los artistas manieristas cubrieron pinturas y esculturas con una abrumadora abundancia de elementos decorativos a través de una ornamentación compleja. Uno de los máximo exponentes de esta característica fue Giuseppe Arcimboldo que creó retratos con vegetación, animales y objetos.
La Pintura Manierista
La pintura durante el Manierismo destacó por no representar la realidad de forma natural, representó la realidad de una forma distorsionada, con extrañas posiciones y una luz artificial.
Los cuadros dejaron de transmitir el orden sereno y el equilibrio que mostraban los cuadros de el alto renacimiento, decantándose por representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido.
Las figuras adoptan posturas complejas, siendo representadas de forma desproporcionada, alargadas y elásticas, con una perspectiva infinita, dando lugar a un arte refinado y de difícil interpretación, debido a su sofisticación intelectual.
Características de la Pintura Manierista
- La pintura manierista se caracteriza por su alejamiento de la naturaleza, su complejidad y su ambigüedad. Algunas de sus características son:
- El uso de colores fríos, contrastados y disonantes, que crean efectos cromáticos irreales y dramáticos.
- El empleo de la perspectiva aérea o atmosférica, que consiste en difuminar los contornos y los colores de los objetos lejanos para crear una sensación de profundidad.
- La representación de escenas complejas, con muchos personajes y elementos, que dificultan la lectura e interpretación de la obra.
- La deformación y el alargamiento de las figuras humanas, que adoptan posturas forzadas, torsionadas y serpentinatas.
- La expresión de emociones intensas, como el dolor, el éxtasis o la melancolía, que reflejan el estado anímico del artista o del espectador.
Arquitectura Manierista
La arquitectura manierista es una transición entre el arte Renacentista y el Barroco.
El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose más bien en el contraste entre norma y derogación, naturaleza y artificio, signo y sotobosque. Los edificios pierden la claridad de composición y pierden solemnidad con respecto al clasicismo pleno.
En los edificios se multiplican los elementos arquitectónicos, aunque no cumplen una función arquitectónica, más bien decorativa. La decoración pasa a formar parte de las fachadas de los edificios.
Características de la Arquitectura manierista
- La arquitectura manierista se caracteriza por su ruptura con las normas clásicas, su originalidad y su ingenio. Algunas de sus características son:
- El uso de elementos arquitectónicos clásicos, como el arco, la columna o la bóveda, pero con variaciones y combinaciones inusuales, que crean efectos de sorpresa y desconcierto.
- El empleo de la planta centralizada, que consiste en un espacio circular, elíptico o poligonal, que se inscribe en una figura geométrica regular. La planta centralizada simboliza la perfección y la armonía cósmica.
- La representación de escenas mitológicas, alegóricas o emblemáticas, que se plasman en los frisos, las cornisas o los frontones. Estas escenas tienen un significado simbólico o moral, que se relaciona con el propietario o el destino del edificio.
- La decoración con elementos escultóricos, pictóricos o estucados, que crean un efecto de ilusión óptica o de trompe-l’œil. Estos elementos buscan impresionar y deleitar al espectador.
Escultura Manierista
La escultura manierista siguió los principios propuestos por Benvenuto Cellini en su Tratado de escultura, donde afirmaba que una escultura debe poder ser observada desde 8 puntos de vista diferentes.
La escultura manierista se caracteriza sobre por: la monumentalidad, el idealismo dramático, formas sinuosas, desequilibrio y tensión, liberación del culto de belleza clásico.
Las obras esculpidas durante esta época destacan por la forma serpentina, ya que las figuras muestran posiciones que recuerdan a una «S» o al movimiento de las serpientes. Este tipo de formas dotan de movimiento a las esculturas, además, solían dotarlas con cierto aire de monumentalidad y de dramatismo idealizado.
El espacio en dichas esculturas se desequilibra, tiene una composición irregular y descompensada, sin ejes de simetría.
Características tiene la escultura manierista
- La escultura manierista se caracteriza por su dinamismo, su elegancia y su sensualidad. Algunas de sus características son:
- El uso del mármol como material principal, aunque también se empleaban el bronce, el marfil o la madera. La talla del mármol era refinada y detallada, buscando más la belleza que el realismo.
- La representación de figuras humanas, especialmente femeninas, que adoptan posturas curvas, flexibles y serpentinatas. Las figuras muestran una anatomía idealizada, con proporciones alargadas y exageradas.
- La expresión de sentimientos sutiles, como la gracia, la melancolía o la ironía, que se transmiten a través de gestos delicados o miradas ambiguas.
- La decoración con elementos vegetales, animales o fantásticos, que crean un contraste entre lo natural y lo artificial.
Curiosidades del arte manierista
El arte manierista fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa entre los siglos XVI y XVII. Fue el sucesor del arte renacentista y el precursor del arte barroco. El arte manierista se caracterizó por el uso de un estilo exagerado y artificial, que rompía con las normas clásicas y buscaba expresar la subjetividad y el ingenio de los artistas. El arte manierista se manifestó en diversas disciplinas, como la pintura, la escultura, la arquitectura o la literatura. A continuación, te presentamos algunas curiosidades sobre este fascinante estilo artístico.
¿Qué significa manierismo?
El término manierismo proviene de la palabra italiana “maniera”, que significa “manera” o “estilo”. El término fue usado por primera vez por el artista e historiador del arte Giorgio Vasari en el siglo XVI, para referirse a los artistas que seguían la manera o el estilo de los grandes maestros del Renacimiento, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel o Rafael. Sin embargo, el término tenía una connotación peyorativa, ya que Vasari consideraba que estos artistas eran inferiores a sus modelos y que solo imitaban sus formas sin comprender su espíritu. No fue hasta el siglo XX cuando el término manierismo se revalorizó y se reconoció el valor artístico e histórico de este estilo.
¿Qué papel tuvo Italia en el arte manierista?
Italia fue el lugar donde nació y se desarrolló el arte manierista, ya que fue el lugar donde se vivieron los acontecimientos que provocaron la crisis del Renacimiento. Entre estos acontecimientos se pueden mencionar la muerte de los grandes artistas renacentistas, el saco de Roma por las tropas imperiales de Carlos V en 1527, la Reforma protestante y la Contrarreforma católica, o las guerras entre Francia y España por el control de Italia. Estos hechos generaron un clima de inestabilidad política, religiosa y cultural, que se reflejó en el arte manierista. Italia estaba dividida en varios estados y ciudades, que competían entre sí por el mecenazgo artístico. Algunas de las ciudades más importantes para el arte manierista fueron Roma, Florencia, Venecia o Mantua.
¿Qué relación tuvo el arte manierista con la literatura?
El arte manierista tuvo una estrecha relación con la literatura, ya que ambos compartían un interés por la expresión individual y el ingenio. Los escritores manieristas utilizaron un lenguaje elaborado y sofisticado, lleno de metáforas, juegos de palabras, alusiones cultas y dobles sentidos. Algunos de los géneros literarios que cultivaron fueron la poesía lírica, la novela picaresca, el teatro cómico o la sátira. Algunos de los escritores manieristas más destacados fueron Ludovico Ariosto, Torquato Tasso, Miguel de Cervantes, William Shakespeare o François Rabelais.
¿Qué simbolismo tenía el arte manierista?
El arte manierista tenía un simbolismo complejo y variado, ya que combinaba elementos de distintas fuentes culturales y religiosas. El arte manierista reflejaba los valores del humanismo cristiano, una corriente filosófica que ponía al ser humano como centro de interés y valor, pero sin renunciar a la fe religiosa. El arte manierista también incorporaba elementos de la mitología clásica, que servían para expresar conceptos abstractos o alegorías morales. El arte manierista no abandonó el tema religioso, sino que lo reinterpretó con una visión más personal y dramática. Algunos ejemplos de simbolismo en el arte manierista son:
- La perla: la perla era un símbolo de la pureza, la castidad y la virginidad. Algunos artistas, como Parmigianino o Bronzino, representaron la perla en escenas relacionadas con la Virgen María o con retratos de mujeres.
- El espejo: el espejo era un símbolo de la vanidad, la ilusión y el engaño. Algunos artistas, como Caravaggio o Velázquez, representaron el espejo en escenas relacionadas con el mito de Narciso o con el tema de las meninas.
- El caballo: el caballo era un símbolo de la fuerza, la nobleza y la libertad. Algunos artistas, como Tintoretto o Rubens, representaron el caballo en escenas relacionadas con la mitología o con la historia.
¿Qué factores favorecieron el desarrollo del Arte Manierista?
El Arte Manierista surgió en un contexto histórico de crisis y transformación de la sociedad europea. Algunos de los factores que favorecieron su desarrollo fueron:
La pérdida de la hegemonía económica y política de Italia, que sufrió la invasión de las tropas de Carlos V y el saco de Roma en 1527.
El impacto de la Reforma protestante, que cuestionó la autoridad de la Iglesia católica y provocó conflictos religiosos y guerras.
El agotamiento del modelo clásico del Renacimiento, que había alcanzado su cima con artistas como Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.
La búsqueda de una expresión personal e individual por parte de los artistas, que se inspiraron en las obras de sus predecesores pero las reinterpretaron con libertad y originalidad.
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